"Seven Ages of Rock es una serie documental que cuenta de manera única la historia del rock desde su nacimiento hasta la actualidad. En cada episodio de una hora 7 Ages of Rock, muestra los aspectos más importantes del género y de las figuras que se han convertido en verdaderas leyendas de la música, todo esto acompañado de material de archivo nunca antes visto y testimonios de algunos de sus representantes más emblemáticos que aún siguen vivos. Desde Jimi Hendrix a Coldplay, pasando por Pink Floyd, U2, Nirvana. Gracias a esta serie la audiencia puede revivir los más grandes momentos del rock que han hecho vibrar a generaciones enteras."
Episodios:
1. El nacimiento del rock
"Jimi Hendrix creció en Seattle en la década de 1950, y aprendió de música en bares, bajo la influencia de músicos y bandas como Howlin' Wolf, B.B.King y Muddy Waters. El ex miembro de The Animals, Eric Burdon, dice que Hendrix no era popular en EE.UU. porque era negro, y el blues negro no era popular allí. Mientras tanto, la escena musical inglesa intentaba tocar los registros de blues de Estados Unidos; bandas como The Rolling Stones empezaron a copiar presentaciones de blues americano. Cuando estos empezaron a escribir sus propias canciones, les dieron una orientación más sexual, y el hecho de que blancos tocaran blues lo hizo más aceptable para los EE.UU. Hendrix se muda a Nueva York fuertemente influenciado por el blues británico, en especial por Jeff Beck, de The Yardbirds, y Eric Clapton, que se había hecho famoso con John Mayall's Bluesbreakers. Hendrix vivía en Harlem, por lo que también se vio bajo la influencia de Bob Dylan, cuya canción "Like a Rolling Stone" revolucionó el rock. Esto inspiro a Hendrix a cantar, después de haber sido anteriormente auto-conciente de su voz.
Otra banda de Inglaterra que inspiro a la mayoría fue The Who, que creó la moderna etapa teatral; ellos destruían su equipo e instrumentos en el escenario, y golpeaban sus guitarras contra el suelo y a veces contra otras personas. Jimi Hendrix llegó a Londres en 1966, después de haber sido descubierto e invitado por su futuro manager Chas Chandler, integrante de The Animals, con la sola condición de que se dejara presentar a los héroes de la música de Chandler. Hendrix llegó al centro de la escena musical londinense junto con Cream. Luego Chandler fundó The Jimi Hendrix Experience, que se hizo famoso más rápido que cualquier otra banda de rock. A pesar del éxito en Reino Unido, Jimi era ampliamente ignorado en su país, situación que cambió cuando realizó su presentación en el Festival De Monterrey, en pleno verano del amor. The Who había tocado antes que él, con una agresividad nunca antes vista en Estados Unidos. Hendrix sorprendió aún más con su explosivo sonido, y finalizando su actuación incendiando su guitarra.
Hacia 1966 The Beatles se habían encerrado en su estudio y se habían transformado, de ser una banda pop, en los pioneros de la psicodelia. Cuando Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band fue lanzado en 1967, Hendrix hizo un cover en uno de sus posteriores shows. Habiendo visto el poder de un álbum de estudio, pasó a grabar Electric Ladyland. Sin embargo, Hendrix estaba cada vez más profundamente hundido en las drogas, y Chas Chandler dejó de ser su manager. En 1968, América y Europa se estaban desgarrando por los conflictos nacionales y en el extranjero. The Rolling Stones aprovechó esa situación como un nuevo fervor creativo, y su actuación el Festival de Altamont se convirtió en uno de los más violentos días en la historia del rock. Altamont pretendió reflejarse en el Festival de Woodstock, donde Hendrix hizo una versión de The Star-Splanged Banner que muchos vieron como una declaración en contra de la guerra de Vietnam. Sin embargo, Hendrix empezaba a cansarse de los escenarios, hecho evidente en el Isle of Wight Festival de 1970. Jimi Hendrix murió de una sobredosis accidental en septiembre de ese año. Junto con las muertes de Jim Morrison y Janis Joplin, y la ruptura de The Beatles, se dio por finalizada la etapa de nacimiento del rock."
Otra banda de Inglaterra que inspiro a la mayoría fue The Who, que creó la moderna etapa teatral; ellos destruían su equipo e instrumentos en el escenario, y golpeaban sus guitarras contra el suelo y a veces contra otras personas. Jimi Hendrix llegó a Londres en 1966, después de haber sido descubierto e invitado por su futuro manager Chas Chandler, integrante de The Animals, con la sola condición de que se dejara presentar a los héroes de la música de Chandler. Hendrix llegó al centro de la escena musical londinense junto con Cream. Luego Chandler fundó The Jimi Hendrix Experience, que se hizo famoso más rápido que cualquier otra banda de rock. A pesar del éxito en Reino Unido, Jimi era ampliamente ignorado en su país, situación que cambió cuando realizó su presentación en el Festival De Monterrey, en pleno verano del amor. The Who había tocado antes que él, con una agresividad nunca antes vista en Estados Unidos. Hendrix sorprendió aún más con su explosivo sonido, y finalizando su actuación incendiando su guitarra.
Hacia 1966 The Beatles se habían encerrado en su estudio y se habían transformado, de ser una banda pop, en los pioneros de la psicodelia. Cuando Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band fue lanzado en 1967, Hendrix hizo un cover en uno de sus posteriores shows. Habiendo visto el poder de un álbum de estudio, pasó a grabar Electric Ladyland. Sin embargo, Hendrix estaba cada vez más profundamente hundido en las drogas, y Chas Chandler dejó de ser su manager. En 1968, América y Europa se estaban desgarrando por los conflictos nacionales y en el extranjero. The Rolling Stones aprovechó esa situación como un nuevo fervor creativo, y su actuación el Festival de Altamont se convirtió en uno de los más violentos días en la historia del rock. Altamont pretendió reflejarse en el Festival de Woodstock, donde Hendrix hizo una versión de The Star-Splanged Banner que muchos vieron como una declaración en contra de la guerra de Vietnam. Sin embargo, Hendrix empezaba a cansarse de los escenarios, hecho evidente en el Isle of Wight Festival de 1970. Jimi Hendrix murió de una sobredosis accidental en septiembre de ese año. Junto con las muertes de Jim Morrison y Janis Joplin, y la ruptura de The Beatles, se dio por finalizada la etapa de nacimiento del rock."
2. Art rock
"En 1967, Pink Floyd publica la canción Arnold Layne, cuya historia habla del robo de ropa a un travesti. Esto introduce un nuevo concepto a la música pop, la psicodelia. Eso mismo hizo Andy Warhol en EE.UU. con The Velvet Underground; convertir sus presentaciones en vivo en espectáculos multimedia. Warhol tuvo la idea de proyectar películas sobre el fondo del escenario. El artista Peter Jenner hizo con Pink Floyd lo que Warhol había hecho con The Velvet Underground, ilustrando las canciones que estos componían, y luego proyectándolas detrás de la banda; lo que efectivamente fueron los primeros clips de música en la pantalla grande. Los shows eran cada vez mas extraños, pero otros músicos siguieron la idea. David Bowie se inspiró en la rareza de The Velvet Underground y en la locura de Syd Barrett, miembro de Pink Floyd (como lo demuestra en Jugband Blues). Bowie creó un alter ego llamado Ziggy Stardust, lo cual le dio una excusa para vestirse en el escenario. Peter Gabriel, de Genesis, hizo algo parecido a lo de Bowie, solo que salió a escena vestido de zorro, sin que siquiera el resto de la banda supiera lo que iba a hacer. “Comparado con lo que llevaba Gabriel en el escenario, la ropa de Bowie parecía para una noche en el pub”.
Otra cosa nueva en la música era que se estaba experimentando con los sonidos. Roxy Music presentó un oboe al rock. Pink Floyd se preguntaba como sonaría un piano a través de un altavoz Leslie, lo que resultó en la introducción de Echoes, una pieza que duraba toda la cara B del álbum Meddle.
En el escenario, las canciones también podían durar mucho más que en los discos. Como los espectáculos eran cada vez más grandes y multitudinarios, Pink Floyd se sentía cada vez más alejado de la audiencia, y en señal de ‘protesta’, colocaron en el escenario, ente ellos y el público, un gran muro que simulaba ser de enormes ladrillos, y usaban grandes títeres, durante la interpretación del disco The Wall. La interactuación con el público así, era casi nula. Ese gran montaje solo pudo realizarse cuatro veces en vivo, pero marco el fin de otra edad del rock."
Otra cosa nueva en la música era que se estaba experimentando con los sonidos. Roxy Music presentó un oboe al rock. Pink Floyd se preguntaba como sonaría un piano a través de un altavoz Leslie, lo que resultó en la introducción de Echoes, una pieza que duraba toda la cara B del álbum Meddle.
En el escenario, las canciones también podían durar mucho más que en los discos. Como los espectáculos eran cada vez más grandes y multitudinarios, Pink Floyd se sentía cada vez más alejado de la audiencia, y en señal de ‘protesta’, colocaron en el escenario, ente ellos y el público, un gran muro que simulaba ser de enormes ladrillos, y usaban grandes títeres, durante la interpretación del disco The Wall. La interactuación con el público así, era casi nula. Ese gran montaje solo pudo realizarse cuatro veces en vivo, pero marco el fin de otra edad del rock."
3. Punk Rock
"En 1975, la ciudad de Nueva York estaba cerca de la quiebra, no había diversión. Londres fue un poco mejor. En esta historia de dos ciudades, desde el peor de los tiempos llegó el mejor de los tiempos: el Punk Rock regresó a las raíces. La gente veía un espectáculo del cual obtenía la idea de que podrían hacerlo ellos mismos, y de eso se trata el Rock & Roll. El movimiento punk fue bricolage; se inventaron bandas y la ropa que usaban. The Ramones cantaba acerca de la vida de la calle de los niños de Queens. Sex Pistols empezaron cantando clásicos covers mod de The Who, pero pronto transformaron al clásico estilo que marcó la época.
El Punk fue la rabia de la clase “los punks de Nueva York eran bohemios o aspiraban a serlo, y todos los punks de Londres eran yobs o aspiraban a serlo” Según el Sex Pistols Johnny Rotten, eso no era indignante “sufrimos, y eso puede joderte”.
El Punk era hacer cosas nuevas, y así lo hicieron bandas de chicas como Siouxsie & the Banshees, abrieron nuevos caminos. Viv Albertine dijo: “queríamos hacer cosas nuevas, y el punk fue lo suficientemente abierto para dejarnos hacerlas”. Patti Smith no sólo lo hizo sobre la música, sino también sobre el lenguaje, casi como un estilo libre rapero “escupir sobre algo que va bien en tu cabeza”.
Cuando the Sex Pistols fueron a Nueva York querían mostrar lo realmente punk que eran, pero eso los destruyó. No se divertían, por lo que decidieron tomar el extremo de que en su último show en San Francisco, en 1978, presentado en su estridencia normal, cierran con una canción de The Stooges, ‘No Fun’. Antes de salir del escenario, Jhonny Rotten dice: “¿alguna vez tuvieron la impresión de que han sido engañados?”. Rotten más tarde agregó: “ese comentario fue dirigido a todo el mundo, incluidos nosotros.
Las canciones que aparecen varían con las de la página Web de la BBC. Esto incluye la apertura del episodio con ‘No Fun’, de The Stooges (interpretada por the Sex Pistols), The Buzzckocs también tocaron ‘Boredom and Ever Fallen in Love’, The Slits solo aparecen con la canción Typical Girls, en lugar de las tres que figuran en la página; Public Image Ltd figuran con Poptones."
El Punk fue la rabia de la clase “los punks de Nueva York eran bohemios o aspiraban a serlo, y todos los punks de Londres eran yobs o aspiraban a serlo” Según el Sex Pistols Johnny Rotten, eso no era indignante “sufrimos, y eso puede joderte”.
El Punk era hacer cosas nuevas, y así lo hicieron bandas de chicas como Siouxsie & the Banshees, abrieron nuevos caminos. Viv Albertine dijo: “queríamos hacer cosas nuevas, y el punk fue lo suficientemente abierto para dejarnos hacerlas”. Patti Smith no sólo lo hizo sobre la música, sino también sobre el lenguaje, casi como un estilo libre rapero “escupir sobre algo que va bien en tu cabeza”.
Cuando the Sex Pistols fueron a Nueva York querían mostrar lo realmente punk que eran, pero eso los destruyó. No se divertían, por lo que decidieron tomar el extremo de que en su último show en San Francisco, en 1978, presentado en su estridencia normal, cierran con una canción de The Stooges, ‘No Fun’. Antes de salir del escenario, Jhonny Rotten dice: “¿alguna vez tuvieron la impresión de que han sido engañados?”. Rotten más tarde agregó: “ese comentario fue dirigido a todo el mundo, incluidos nosotros.
Las canciones que aparecen varían con las de la página Web de la BBC. Esto incluye la apertura del episodio con ‘No Fun’, de The Stooges (interpretada por the Sex Pistols), The Buzzckocs también tocaron ‘Boredom and Ever Fallen in Love’, The Slits solo aparecen con la canción Typical Girls, en lugar de las tres que figuran en la página; Public Image Ltd figuran con Poptones."
4. Heavy metal
"El Heavy Metal es la música que los críticos aman odiar, y la que más se mantuvo vigente desde los pilares del rock. Más que cualquier otra banda del momento, Black Sabbath fue fuertemente influenciada por su entorno, los parques industriales de Birmingham. Sobre todo para su guitarrista Tony Iommi, al cual una máquina le cortó las puntas de dos de sus dedos. El trato de resolver el problema fusionando líquido para lavar botellas, y formando dos “dedales” para sus dedos; y se encontró que por la sintonía de su guitarra de tres tonos (en #C), podía tocar igual de fácil, consiguiendo un sonido diferente, más oscuro (aunque esto no se implementó hasta su tercer disco). Otra fuente de inspiración para la banda fue ver las colas del cine para ver películas de terror. Sabbath pensó que si la gente deseaba pagar dinero para tener miedo, entonces ellos debían hacer música que de miedo.
En 1971, cuando Deep Purple fue a grabar a Montreaux su álbum Machine Head, hasta ellos se asustaron por un terrible incendio en el casino cuando “algún idiota tiro una bengala que incendió el lugar hasta los cimientos” durante un concierto de Frank Zappa and The Mothers of Invention. El estudio de grabación se encontraba en el hotel incendiado, por lo que la banda decidió continuar allí. En el último día, necesitaban una canción más para grabar, y decidieron simplemente contar la historia del incendio, de cómo veían el humo sobre el lago Ginebra. Eso se convirtió en la letra de Smoke on the Water.
Fueron Judas Priest los que introdujeron el tocar con dos guitarras a la vez. Fue cuando en 1976 el Punk todavía dominaba la escena del rock, que se empezaron a usar el la ropa el cuero y las tachas; lo que inspiraba un estilo muy masculino, a pesar de la homosexualidad del cantante Rob Halford, que dicen que aún no había “salido del armario” en ese entonces. Priest fueron recompensados a pesar de haber caído en la década del ’70. Pero unos años más tarde, una nueva ola de Heavy Metal británico fue encabezada por Iron Maiden. En EE.UU. surgió un nuevo giro con Glam Rock, con esponjoso spray para el pelo inspirado en la mirada puesta en Hollywood y dado a conocer por Mötley Crue. El ex Sabbath Ozzy Osbourne hizo la vuelta más inesperada del rock, a pesar de sus “actividades recreativas” (que incluían cocaína y alcohol en grandes cantidades).
A finales de la década del ’80, el metal se había vuelto demasiado comercial para algunos, y bandas como W.A.S.P., Hanoi Rocks y Poison tuvieron gran éxito. Influenciado por la nueva ola de Heavy Metal británico, el metal consiguió un nuevo gran sucesor: el Thrash Metal, un estilo que va más allá en muchos aspectos; era más rápido y pesado que lo que se oía en ese entonces. Pero tocar la guitarra cada vez más rápido y más fuerte había llegado a un techo en el umbral de la década, y Metallica, uno de los inventores del Thrash, decidió cambiar la situación y adoptar un sonido pesado y lento. El resultado fue The Black Album, que llegó a vender más de 15 millones de copias, y demostró que el metal nunca, pero nunca pasa de moda."
En 1971, cuando Deep Purple fue a grabar a Montreaux su álbum Machine Head, hasta ellos se asustaron por un terrible incendio en el casino cuando “algún idiota tiro una bengala que incendió el lugar hasta los cimientos” durante un concierto de Frank Zappa and The Mothers of Invention. El estudio de grabación se encontraba en el hotel incendiado, por lo que la banda decidió continuar allí. En el último día, necesitaban una canción más para grabar, y decidieron simplemente contar la historia del incendio, de cómo veían el humo sobre el lago Ginebra. Eso se convirtió en la letra de Smoke on the Water.
Fueron Judas Priest los que introdujeron el tocar con dos guitarras a la vez. Fue cuando en 1976 el Punk todavía dominaba la escena del rock, que se empezaron a usar el la ropa el cuero y las tachas; lo que inspiraba un estilo muy masculino, a pesar de la homosexualidad del cantante Rob Halford, que dicen que aún no había “salido del armario” en ese entonces. Priest fueron recompensados a pesar de haber caído en la década del ’70. Pero unos años más tarde, una nueva ola de Heavy Metal británico fue encabezada por Iron Maiden. En EE.UU. surgió un nuevo giro con Glam Rock, con esponjoso spray para el pelo inspirado en la mirada puesta en Hollywood y dado a conocer por Mötley Crue. El ex Sabbath Ozzy Osbourne hizo la vuelta más inesperada del rock, a pesar de sus “actividades recreativas” (que incluían cocaína y alcohol en grandes cantidades).
A finales de la década del ’80, el metal se había vuelto demasiado comercial para algunos, y bandas como W.A.S.P., Hanoi Rocks y Poison tuvieron gran éxito. Influenciado por la nueva ola de Heavy Metal británico, el metal consiguió un nuevo gran sucesor: el Thrash Metal, un estilo que va más allá en muchos aspectos; era más rápido y pesado que lo que se oía en ese entonces. Pero tocar la guitarra cada vez más rápido y más fuerte había llegado a un techo en el umbral de la década, y Metallica, uno de los inventores del Thrash, decidió cambiar la situación y adoptar un sonido pesado y lento. El resultado fue The Black Album, que llegó a vender más de 15 millones de copias, y demostró que el metal nunca, pero nunca pasa de moda."
5. Rock de estadio
"Led Zeppelin fue una de las primeras bandas de Rock de estadio, llegando a tocar ante 50.000 personas. Se les podría dejar el 90% del crédito a su excelente música y el otro 10% a las promociones de los shows. Queen tomó esa jugada y la mejoró llenando estadios en los que cabían 130.000 personas y más. Esto se debía en gran parte a la puesta en escena que hacían, de la cual el principal protagonista era el vocalista Freddie Mercury. En los EE.UU., Kiss dejaba su música en segundo plano, y llenaban estadios de gente principalmente interesada en ver su actuación, lo que hacía que los críticos musicales los odiasen. Otra fuente de ganancias de Kiss era toda la mercancía que vendía, por ejemplo, muñecos de ellos mismos, que compraban niños que no sabían nada de rock. Eso producía 50 millones de dólares al año.
También en Estados Unidos, Bruce Springsteen se convirtió en uno de los íconos del rock de estadio, prácticamente contra su voluntad. Mientras pudo, se mantuvo tocando en clubes y lugares pequeños, cuando podría perfectamente haber estado llenando estadios. Pero, irónicamente, esa actitud de perfil bajo fue precisamente lo que lo hizo grande.
Cuando The Police tuvo éxito en Inglaterra, invirtieron sus ahorros en una gira por EE.UU., donde por un tiempo fueron la banda suceso. También innovaron yendo a países que otras bandas nunca habían visitado, como Egipto. Queen hizo algo similar en Sudamérica, adonde fueron sin creer que podrían llenar estadios como hacían en Norteamérica y Europa, pero así lo hicieron, llenando grandes estadios de fútbol. Y en Japón, fueron recibidos como a The Beatles. La coronación de todo esto fue el Live Aid, del cual su organizador Bob Geldof dijo “la lengua franca del mundo no es el inglés, es el Rock and Roll”.
U2 fue la última gran banda que surgió de la era del rock de estadio. De la mano de la banda, el espectáculo Zoo TV llevó la televisión al escenario. También introdujeron lo que se llama B Stage, es decir, rodearse de audiencia y tocar en el medio del estadio, lo cual contribuyó a la gradual separación de los artistas y el público en vivo."
También en Estados Unidos, Bruce Springsteen se convirtió en uno de los íconos del rock de estadio, prácticamente contra su voluntad. Mientras pudo, se mantuvo tocando en clubes y lugares pequeños, cuando podría perfectamente haber estado llenando estadios. Pero, irónicamente, esa actitud de perfil bajo fue precisamente lo que lo hizo grande.
Cuando The Police tuvo éxito en Inglaterra, invirtieron sus ahorros en una gira por EE.UU., donde por un tiempo fueron la banda suceso. También innovaron yendo a países que otras bandas nunca habían visitado, como Egipto. Queen hizo algo similar en Sudamérica, adonde fueron sin creer que podrían llenar estadios como hacían en Norteamérica y Europa, pero así lo hicieron, llenando grandes estadios de fútbol. Y en Japón, fueron recibidos como a The Beatles. La coronación de todo esto fue el Live Aid, del cual su organizador Bob Geldof dijo “la lengua franca del mundo no es el inglés, es el Rock and Roll”.
U2 fue la última gran banda que surgió de la era del rock de estadio. De la mano de la banda, el espectáculo Zoo TV llevó la televisión al escenario. También introdujeron lo que se llama B Stage, es decir, rodearse de audiencia y tocar en el medio del estadio, lo cual contribuyó a la gradual separación de los artistas y el público en vivo."
6. Rock alternativo
"Seattle, Washington, Estados Unidos. A principios de la década del ’90 era la capital musical del mundo. El hogar del Grunge, el “teen spirit” (espíritu adolescente), y de Nirvana, los reyes del rock alternativo. Nirvana, la banda que llevó el sonido under de América a las masas. El rock alternativo era la banda sonora de la vida de la Generación X, de los que no podían identificarse con el rock de estudio comercial que se escuchaba en la radio y pasaban en MTV.
Nirvana, inicialmente formado por Kurt Cobain y Krist Novoselic; formaban parte de esta generación y habían estado influenciados por Black Flag, que desempeñaban un estilo musical cercano al hardcore. El Rock alternativo de 1980 era llamado “la universidad del rock”, porque las radios donde se escuchaban eran transmitidas por universitarios desde los campus; emitían desde la parte baja de la frecuencia, que no aparece en los diales de las radios, de modo que quienes querían escucharlos debían ir “a la izquierda del dial”. Quienes tocaban no tenían otra opción que hacerlo en lugares pequeños, y estar de gira constantemente, por lo general en camionetas con las que recorrían el país. Son ejemplo de esto bandas como Sonic Youth y The Replacements.
Unos de los considerados fundadores del rock alternativo, REM, habían estado de gira desde el 5 de abril de 1980 hasta finales de 1989, sin parar. Al acabar, el guitarrista Peter Buck deja su guitarra, diciendo que se había cansado de ella, y comienza a tocar la mandolina para la canción Losing My Religion, que les dio fama mundial.
A Nirvana le ocurrió algo parecido, con la canción de Cobain About a Girl. No estaba seguro de querer incluirla en el álbum, porque le sonaba muy pop. Otra inspiración para su nuevo sonido fue el hecho de que dedicaban media hora al iniciar sus ensayos a improvisar la música, en el que experimentaron el contraste entre música suave y fuerte, guitarras duras y armonías. Eso le agrado a Cobain, decía que sonaban a una mezcla de Black Sabbath y The Beatles. Nirvana había creado un sonido que mezcla la furia del grunge con una nueva idea de la melodía y el atractivo comercial de la masa REM, lo que lleva a lo que se convertiría en himno del rock alternativo, "Smells Like Teen Spirit". Hubo algunas reservas acerca de la canción, porque sonaba parecida a un riff de The Pixies, una banda que venía desempeñando exactamente esa dinámica combinación de fuerte y suave. Gracias al éxito de Nirvana, REM y Mudhoney, el rock alternativo registró montones de empresas que se agenciaron el suceso de bandas como Soundgarden, Smashing Pumpkins, Alice in Chains y Pearl Jam.
Nirvana ubicó a Seattle en el mapa, por lo que REM (procedentes de Atlanta), allí fueron. Incluso se habló de que las bandas realizaran algún trabajo juntas, pero Cobain impidió que el proyecto madurara. Admiraba a REM, porque había logrado llegar adonde estaba sin compromiso, pero ahora el se había convertido en parte de la maquinaria comercial que despreciaba. Aún después de haberse vuelto rico, compraba su ropa en tiendas del ejército de salvación. Los fans sabían esto, y lo esperaban en las tiendas para así imitar la ropa que compraba y usaba.
Algunas personas pueden manejar este tipo de atención, y otras no pueden. Kurt no podía. Bromeaba acerca del nombre de su nuevo disco, diciendo que le gustaría ponerle “me odio y quiero morir” (refiriéndose a In Utero). Cinco meses después del famoso Nirvana MTV Unplugged, en abril de 1994, Kurt Cobain se suicidó de un tiro en la cabeza. En su nota de suicidio se podían leer las palabras de Neil Young: “es mejor incendiarse a consumirse lentamente”. El CD encontrado en su equipo de música, el último que había escuchado, fue Automatic for the People, el último que había salido de REM. La muerte del que había sido el mayor representante del rock alternatico marcó el fin de otra edad del rock."
Nirvana, inicialmente formado por Kurt Cobain y Krist Novoselic; formaban parte de esta generación y habían estado influenciados por Black Flag, que desempeñaban un estilo musical cercano al hardcore. El Rock alternativo de 1980 era llamado “la universidad del rock”, porque las radios donde se escuchaban eran transmitidas por universitarios desde los campus; emitían desde la parte baja de la frecuencia, que no aparece en los diales de las radios, de modo que quienes querían escucharlos debían ir “a la izquierda del dial”. Quienes tocaban no tenían otra opción que hacerlo en lugares pequeños, y estar de gira constantemente, por lo general en camionetas con las que recorrían el país. Son ejemplo de esto bandas como Sonic Youth y The Replacements.
Unos de los considerados fundadores del rock alternativo, REM, habían estado de gira desde el 5 de abril de 1980 hasta finales de 1989, sin parar. Al acabar, el guitarrista Peter Buck deja su guitarra, diciendo que se había cansado de ella, y comienza a tocar la mandolina para la canción Losing My Religion, que les dio fama mundial.
A Nirvana le ocurrió algo parecido, con la canción de Cobain About a Girl. No estaba seguro de querer incluirla en el álbum, porque le sonaba muy pop. Otra inspiración para su nuevo sonido fue el hecho de que dedicaban media hora al iniciar sus ensayos a improvisar la música, en el que experimentaron el contraste entre música suave y fuerte, guitarras duras y armonías. Eso le agrado a Cobain, decía que sonaban a una mezcla de Black Sabbath y The Beatles. Nirvana había creado un sonido que mezcla la furia del grunge con una nueva idea de la melodía y el atractivo comercial de la masa REM, lo que lleva a lo que se convertiría en himno del rock alternativo, "Smells Like Teen Spirit". Hubo algunas reservas acerca de la canción, porque sonaba parecida a un riff de The Pixies, una banda que venía desempeñando exactamente esa dinámica combinación de fuerte y suave. Gracias al éxito de Nirvana, REM y Mudhoney, el rock alternativo registró montones de empresas que se agenciaron el suceso de bandas como Soundgarden, Smashing Pumpkins, Alice in Chains y Pearl Jam.
Nirvana ubicó a Seattle en el mapa, por lo que REM (procedentes de Atlanta), allí fueron. Incluso se habló de que las bandas realizaran algún trabajo juntas, pero Cobain impidió que el proyecto madurara. Admiraba a REM, porque había logrado llegar adonde estaba sin compromiso, pero ahora el se había convertido en parte de la maquinaria comercial que despreciaba. Aún después de haberse vuelto rico, compraba su ropa en tiendas del ejército de salvación. Los fans sabían esto, y lo esperaban en las tiendas para así imitar la ropa que compraba y usaba.
Algunas personas pueden manejar este tipo de atención, y otras no pueden. Kurt no podía. Bromeaba acerca del nombre de su nuevo disco, diciendo que le gustaría ponerle “me odio y quiero morir” (refiriéndose a In Utero). Cinco meses después del famoso Nirvana MTV Unplugged, en abril de 1994, Kurt Cobain se suicidó de un tiro en la cabeza. En su nota de suicidio se podían leer las palabras de Neil Young: “es mejor incendiarse a consumirse lentamente”. El CD encontrado en su equipo de música, el último que había escuchado, fue Automatic for the People, el último que había salido de REM. La muerte del que había sido el mayor representante del rock alternatico marcó el fin de otra edad del rock."
7. Brit rock
"La escena Indie de Manchester floreció a principios de la década de 1980. Manchester se vio transformado por The Smiths y las letras de Morrisey, su cantante, que narraba un romance épico como parte de la dura crítica de la clase obrera gobernada por Margaret Tatcher. La escena era diversa, y figuraban bandas como The Cocteau Twins, The Jesus and Mary Chain y The Fall. En 1986, The Smiths se había convertido en la banda más establecida de Gran Bretaña, habían acordado un contrato con la IME y empezaban a tocar en los grandes escenarios de Estados Unidos. Sin embargo, todo eso trajo sus propias presiones a la banda, que acabó separándose en el verano de 1987.
Esta división coincide con el aumento de la música house y el desarrollo de una nueva ola de bandas Indie, que daban a la música “un toque psicodélico”. The Stone Roses juntaron lo Indie, lo house y el sentimiento de costa oeste psicodélica, con ritmos de vanguardia de música instrumental y cruce con el mundo de la danza. En 1989 tocaron en el Empress Ballroom de Blackpool. Su actuación contribuyó a popularizar la nueva escena, llevando al ojo de la prensa nuevos grupos como Happy Mondays e Inspiral Carpets. Blur se organizó para grabar música al estilo “Madchester”, no era así como ellos deseaban sonar, pero así lo quería su compañía discográfica.
En el verano de 1993, Oasis firmó un contrato con Creation Records, y empezaron a girar por Inglaterra, para así crear fans. Luego se establecieron en Londres. Esa ciudad había reemplazado a Manchester como centro de la movida Indie, principalmente gracias a la influencia de Suede. En ellos había una imagen de glamour y oscuridad, que giraba en torno a la ambigüedad sexual, lo que los declaró dirigentes del britpop.
Blur había lanzado su tercer álbum coincidiendo con el debut de Oasis. Eso creo una escena musical que abarcaba bandas como Pulp o Elastica. En agosto de 1994, Blur y Oasis se sumergieron en una batalla de ventas para llegar al número uno de Inglaterra. Blur llegó por sus sencillos, pero la salida del segundo álbum de Oasis (What's the Story) Morning Glory los eclipsó completamente. Fue uno de los álbumes de mayor venta de todos los tiempos, lo que lanzó a Oasis a la masividad, a ser “la voz de una generación”. Llenaban estadios de fútbol, y pronto les fue difícil encontrar lugares cerrados para tocar donde entrara todos sus fans. A principios de 1996 empezaron a organizar en Knebworth Park un gran festival, que se llevó a cabo en agosto de ese año. Hubo 3.700.000 pedidos de entradas, y se vendieron 125.000 para cada noche, lo que quiere decir de uno de cada 20 ingleses pidieron entradas para ese concierto.
Sin embargo, eso fue tan lejos como la música Indie podía llegar, ya que muchos pensaron que eso no era Indie, siendo tan masivo. Simplemente se convirtió en un término general para el sonido del rock británico impulsado por el mercado de perseguir bandas con “registro insípido”; una serie de bandas que consiguieron el éxito después de la salida del segundo álbum de Oasis, entre las que se incluyen Travis, Embrace, The Verve, Coldplay y Stereophonics.
The Libertines intentó llevar la música Indie de vuelta al centro de la tierra. Como The Smiths antes que ellos, se centraron en hacer conciertos que facilitaran el contacto ente la audiencia y los artistas. También fueron pioneros en usar el Internet para acercarse a fans. Sin embargo, el cantante Pete Doherty estaba totalmente hundido en las drogas, fuera de control, lo que creó tensiones en la banda, y finalmente se separaron en 2005. Pero al irse dejaron influenciadas a varias bandas de éxito, como Kaiser Chiefs, Franz Ferdinand y Arctic Monkeys."
Esta división coincide con el aumento de la música house y el desarrollo de una nueva ola de bandas Indie, que daban a la música “un toque psicodélico”. The Stone Roses juntaron lo Indie, lo house y el sentimiento de costa oeste psicodélica, con ritmos de vanguardia de música instrumental y cruce con el mundo de la danza. En 1989 tocaron en el Empress Ballroom de Blackpool. Su actuación contribuyó a popularizar la nueva escena, llevando al ojo de la prensa nuevos grupos como Happy Mondays e Inspiral Carpets. Blur se organizó para grabar música al estilo “Madchester”, no era así como ellos deseaban sonar, pero así lo quería su compañía discográfica.
En el verano de 1993, Oasis firmó un contrato con Creation Records, y empezaron a girar por Inglaterra, para así crear fans. Luego se establecieron en Londres. Esa ciudad había reemplazado a Manchester como centro de la movida Indie, principalmente gracias a la influencia de Suede. En ellos había una imagen de glamour y oscuridad, que giraba en torno a la ambigüedad sexual, lo que los declaró dirigentes del britpop.
Blur había lanzado su tercer álbum coincidiendo con el debut de Oasis. Eso creo una escena musical que abarcaba bandas como Pulp o Elastica. En agosto de 1994, Blur y Oasis se sumergieron en una batalla de ventas para llegar al número uno de Inglaterra. Blur llegó por sus sencillos, pero la salida del segundo álbum de Oasis (What's the Story) Morning Glory los eclipsó completamente. Fue uno de los álbumes de mayor venta de todos los tiempos, lo que lanzó a Oasis a la masividad, a ser “la voz de una generación”. Llenaban estadios de fútbol, y pronto les fue difícil encontrar lugares cerrados para tocar donde entrara todos sus fans. A principios de 1996 empezaron a organizar en Knebworth Park un gran festival, que se llevó a cabo en agosto de ese año. Hubo 3.700.000 pedidos de entradas, y se vendieron 125.000 para cada noche, lo que quiere decir de uno de cada 20 ingleses pidieron entradas para ese concierto.
Sin embargo, eso fue tan lejos como la música Indie podía llegar, ya que muchos pensaron que eso no era Indie, siendo tan masivo. Simplemente se convirtió en un término general para el sonido del rock británico impulsado por el mercado de perseguir bandas con “registro insípido”; una serie de bandas que consiguieron el éxito después de la salida del segundo álbum de Oasis, entre las que se incluyen Travis, Embrace, The Verve, Coldplay y Stereophonics.
The Libertines intentó llevar la música Indie de vuelta al centro de la tierra. Como The Smiths antes que ellos, se centraron en hacer conciertos que facilitaran el contacto ente la audiencia y los artistas. También fueron pioneros en usar el Internet para acercarse a fans. Sin embargo, el cantante Pete Doherty estaba totalmente hundido en las drogas, fuera de control, lo que creó tensiones en la banda, y finalmente se separaron en 2005. Pero al irse dejaron influenciadas a varias bandas de éxito, como Kaiser Chiefs, Franz Ferdinand y Arctic Monkeys."
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